De vez en cuando, da la casualidad de que encuentro un programa o una película que me sorprende visualmente. Me quedé impresionado por los colores del Grand Hotel Budapest y por la cinematografía de Birdman . La exitosa serie de Netflix The Queen’s Gambit es una de esas sorpresas que he descubierto recientemente.
Steven Meizler, el director de fotografía de la serie, se está convirtiendo rápidamente en uno de mis directores de fotografía favoritos. Me encantó lo que hizo con la serie Godless y he comenzado a amar su trabajo cada vez más.
Cuando miramos contenido bajo demanda como HBO o Netflix, ya no tenemos una pausa comercial cada 20 minutos para tomar algunos bocadillos o ir al baño; ahora podemos presionar el botón de pausa cuando queramos. Los episodios de Queen’s Gambit se encuentran entre los que puedes hacer una pausa en casi cualquier fotograma y mirar la brillante composición.
Cuando te das cuenta de que las películas son solo un montón de imágenes fijas reproducidas a un ritmo rápido, activas este algoritmo de autoaprendizaje y comienzas a notar técnicas y estilos que luego puedes incorporar a tu fotografía fija.
Aquí hay siete técnicas de composición que podemos encontrar en The Queen’s Gambit .
# 1. Líneas principales
Uno de los objetivos de una buena composición es guiar la mirada del espectador a través de las imágenes. Esto se logra idealmente sin que su audiencia se dé cuenta demasiado, y las líneas principales son una de las mejores técnicas que puede utilizar.
Como tendemos a seguir líneas en el mundo real, hacemos lo mismo cuando miramos las imágenes. Inconscientemente nos dicen dónde buscar. Especialmente si comparten la misma dirección.
Esta técnica ha sido utilizada por muchos fotógrafos expertos y The Queen’s Gambit la aprovecha al máximo. Las líneas generalmente apuntan al tema principal, Elizabeth Harmon, destacándola o apuntando hacia otro lado para mejorar la historia sin usar palabras.
# 2. Simetría
Las líneas principales también suelen venir con otra “regla” de composición, y esa es la simetría. Esto viene como una regla más deliberada ya que las composiciones simétricas y asimétricas tienen su uso.
Dado que normalmente tendemos a buscar el equilibrio de izquierda a derecha y ponderado más hacia abajo, una composición equilibrada es más agradable a nuestros ojos. Aunque la simetría se usa principalmente en fotografía de arquitectura, también se puede usar con personas.
Beth se coloca tanto simétrica como asimétricamente durante la serie y, a medida que avanza la historia, esas composiciones tienen diferentes impactos.
# 3. Patrones y ritmo
Una cosa que también se puede ver en el programa es el uso de patrones y ritmo. Al ver la serie, me di cuenta de que la razón por la que me gustaban muchas escenas era que tenían muchos intereses visuales, generalmente de fondo. El uso de patrones, arquitectura y diseño general de los años 50 y 60 es sobresaliente.
El ritmo en sí dicta cómo se mueven los ojos alrededor de la imagen. Entonces, cuando estamos rodando lo que podemos hacer es buscar un patrón de elementos repetitivos y perturbar ese ritmo con una persona, tal como lo hacen en esta serie.
# 4. Marcos y subcuadros
Hablando de marcos y subcuadros, el programa usa mucho esta técnica. Comienza con el tablero de ajedrez, que a menudo se muestra dentro de un círculo que contrasta muy bien con el diseño cuadrado del tablero de ajedrez.
La serie utiliza unos marcos menos obvios, como cuando Elizabeth destroza su cama para poder mirar al techo en el segundo episodio, así como puertas y ventanas más convencionales que, por ejemplo, en este aísla al sujeto, para mostrar los dos mundos diferentes de Elizabeth, las colegialas y el contraste entre ellas.
# 5. Espacio negativo
La serie es sorprendentemente muy oscura cuando nos enfocamos en la iluminación, y eso a menudo resulta en mucho espacio negativo o aislamiento de los sujetos. Esto se puede usar para evocar todo tipo de emociones o decirle a la audiencia hacia dónde debe mirar. El espacio negativo es algo que se usa a menudo en fotografía para mostrar el vacío, el aislamiento o la soledad de los sujetos.
# 6. Profundidad y capas
También me gusta cómo trabajaron con la profundidad y las capas, lo que ayuda a establecer el personaje en el mundo. Como en el ejemplo anterior, donde ves el primer plano, el término medio y el fondo, creando profundidad en la imagen. Muchas de esas técnicas también se utilizan en combinación entre sí.
# 7. Primeros planos y retratos
Finalmente, el programa también utiliza con frecuencia primeros planos. Es posible que haya notado que la cámara toma primeros planos / retratos extremos de los personajes durante los momentos intensos del programa. Por lo general, comienza con un tiro clásico, un tiro inverso por encima del hombro y continúa más cerca a medida que aumenta la tensión.
Al filmar, puede usar esta técnica para aumentar la tensión manteniendo la toma aún más tiempo, algo que es imposible en la fotografía, porque, bueno, es solo un cuadro. Sin embargo, lo que la fotografía y la cinematografía tienen en común al utilizar estas técnicas es que obligan al espectador a centrarse estrictamente en el sujeto y ayudan con el mensaje de la toma.
A menudo trato de encontrar excusas de por qué debería sentarme en casa y mirar televisión cuando hay muchas otras cosas que probablemente debería estar haciendo. Sobre todo, porque, probablemente debería ir fuera de la práctica de la fotografía. Pero, cuando la pandemia finalmente desaparezca, la cámara de Steven Meizler será mi nueva excusa favorita.
Sobre el autor : Martin Kaninsky es fotógrafo, crítico y YouTuber con sede en Praga, República Checa. Las opiniones expresadas en este artículo son únicamente del autor. Kaninsky dirige el canal About Photography . Puede encontrar más de su trabajo en su sitio web , Instagram y canal de YouTube .
